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"...… l’Art, qui habite la même rue que la Vie, mais en un lieu différent, l’Art qui soulage de la vie sans pourtant soulager de vivre, et tout aussi monotone que la vie – simplement en un lieu différent. Oui, cette rue des Douradores contient pour moi tout le sens des choses…" Fernando Pessoa

A cela sans accès

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Le cannibalisme ayant depuis longtemps perdu son caractère sacré, et par là toute portée collective, une conception moderne voudrait que le phénomène désigne un désir charnel poussé à son extrême. Or, ce qui est vrai des sociétés civilisées l’est également de la fiction où l’anthropophagie figure désormais une déviance individuelle, une pathologie gore susceptible de n’intéresser qu’un certain cinéma de genre. Hors de ce cadre-là, la façon très personnelle dont Claire Denis se saisit du motif dans Trouble Every Day tend malgré tout à le rabattre sur une pulsion vécue comme un désordre intime, renvoyant à sa propre vision du couple en crise mû par des intensités incontrôlables. Sans interroger plus avant ces enjeux manifestes, la réalisatrice abandonne son film à un flux d’images travaillées comme des tableaux. Plutôt que la subversion, elle va chercher l’émotion sur le visage d’une jeune femme vivant recluse, parvenant on ne sait comment à s’échapper la nuit pour se repaître du corps d’amants ramassés au bord d’une route. Le destin de cet être barbouillé de sang auquel Béatrice Dalle confère un attrait enfantin semble lié à celui d’un Américain fraîchement débarqué à Paris, joué par Vincent Gallo, sorte de dandy malade et anémié, visiblement insatisfait de sa relation avec sa jeune épouse. Un même tourment s’exprime à travers ces personnages, celui d’un monde où sexe et sentiment ne peuvent fusionner. Cet état de fait passe par un montage alterné faisant grâce à un renversement du romantisme. Que se passe-t-il alors si c’est la chair qui l’emporte ? Bercé par la musique langoureuse des Tindersticks, le film n’offre aucun commentaire à sa mise en scène, multipliant plutôt les indices matériels comme autant d’effets d’ombre et de lumière venant caresser son objet dès lors réduit à ses conjonctures. Déconnecté du sentiment amoureux, l’acte sexuel qui culmine en une pulsion dévoratrice rejoint le constat sadien d’un rapport où, du fait de leur excitante proximité, jouissance et agonie se confondent.

Là où l’industrie cinématographique peine à intégrer la diversité des expériences, les films qui forgent notre imaginaire se font pour la plupart du seul point de vue des hommes. Dans un contexte où l’économie et les méthodes de travail fonctionnent en leur défaveur, les réalisatrices qui parviennent à imposer leur regard dans des récits où les personnages féminins prennent un rôle actif ont toutes les chances de bousculer l’ordre esthétique dominant.

Née à Berlin en 1942, la réalisatrice et actrice Margarethe von Trotta occupe une place notable dans le nouveau cinéma allemand qui émergea dans les années 1960, ainsi que, la décennie suivante, dans le Frauenfilm ou film de femmes, courant mettant en vedette des parcours d’émancipation au féminin. Dans cette mouvance, c’est autant la femme d’âge mûr que la controverse qui entoura son concept le plus audacieux, la banalité du mal, qui sont le fil conducteur de ce présent portrait d’Hannah Arendt (1906-1975), philosophe juive allemande ayant fui les camps, figure pionnière de la réflexion sur le totalitarisme.

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